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Fritz Kreiser, Federico Mompou, Komitas, Jean Sibelius, Harold Arlen, Leonid Desyatnikov, Jesús Guridi,
Paul Hindemith, Komitas, George Bizet, Stephen Reynolds, Francis Poulenc, Gabriel Fauré,
Francis Poulenc, Charles Trenet, George Gershwin, Johann Strauss II
Sergei Babayan
21 mayo 2025
Auditorio Nacional de Música
Sala Sinfónica, 19:30h
Sergei Babayan es uno de los principales pianistas de nuestro tiempo. Le Figaro ha elogiado su “toque inigualable, su fraseo perfectamente armonioso y un virtuosismo impresionante”. The Times ha alabado su “Brillo técnico y deleite imaginativo” y Le Devoir de Montreal puso simplemente: “Sergei Babayan es un genio. Punto”.
Este recital, con el imponente programa “Songs”, es el primero en España de su carrera como intérprete. Su debut, con nuestra temporada musical, es un privilegio del que queremos hacerles partícipes.
Sergei Babayan
piano
El próximo 21 de mayo de 2025, Madrid será testigo de la magia de Sergei Babayan en un recital que promete ser inolvidable. El programa incluirá una exquisita selección de piezas de compositores como Schubert, Schumann, Liszt y Rachmaninoff, entre otros. Este evento será una oportunidad única para disfrutar de la maestría de Babayan en vivo, donde cada interpretación se convierte en un viaje emocional y espiritual para el oyente.
La figura de este pianista asombroso emerge en el mundo de la música clásica, como sinónimo de virtuosismo, profundidad emocional y una interpretación que va más allá de lo técnico para adentrarse en lo espiritual. Nacido el 1 de enero de 1961 en Ereván, Armenia, Sergei Babayan ha forjado una carrera que lo ha establecido como uno de los intérpretes más distinguidos y respetados de nuestra era. Su arte no solo consiste en tocar el piano con destreza, sino en hacerlo cantar, en convertir cada nota en una voz viva que comunica y emociona.
Además de su dominio técnico, Babayan deslumbra por su capacidad para desentrañar los significados más profundos de las obras que interpreta. Según sus propias palabras, «no se puede aprender cómo escribir una buena melodía. Es un don que se tiene o no se tiene. En todo estudio sobre el arte de la composición, la melodía sigue siendo el último misterio». Esta creencia se refleja en cada una de sus interpretaciones, donde busca revelar esos misterios ocultos en la música, ofreciendo al oyente una experiencia rica y conmovedora.
Aclamado por su intensidad emocional, su energía audaz y sus notables niveles de color, Sergei Babayan aporta una profunda comprensión a un repertorio excepcionalmente diverso. Ha colaborado con directores como Sir Antonio Pappano, David Robertson, Rafael Payare, Thomas Dausgaard, Tugan Sokhiev, Valery Gergiev y Dima Slobodeniouk.
Ha actuado con muchas de las orquestas más importantes del mundo, como la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Bamberg, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, la Orquesta de Cámara Mahler, la Filarmónica de Varsovia y la Orquesta Sinfónica de Detroit, entre muchas otras.
El enfoque meditativo y la rara quietud del arte del teclado del pianista armenio-norteamericano Sergei Babayan llevaron al Hamburger Abendblatt a compararlo con «uno de esos calígrafos japoneses que contemplan la página blanca que tienen delante en silencio hasta que, en el momento exacto, su pincel hace un barrido instintivo y perfecto sobre el papel».
El propio Babayan ha observado que la música debe estar abierta a las sorpresas y a las percepciones espontáneas, permitiendo que surjan emociones inesperadas y que los matices sutiles evolucionen de forma natural. Su musicalidad reflexiva ha crecido a lo largo de décadas de minuciosas exploraciones musicales, y en el transcurso de su carrera ha construido un repertorio amplio y profundo que abarca más de cien conciertos y otras obras de compositores como Bach, Beethoven, Ligeti y Lutosławski hasta Prokofiev, Pärt, Rameau y Ryabov.
Fotografía: Kaupo Kikkas
Sergei Babayan no solo es un intérprete excepcional, sino también un pedagogo influyente que ha formado a algunos de los pianistas más destacados de la actualidad. Como profesor en el Instituto de Música de Cleveland, Babayan ha sido mentor de una nueva generación de artistas, inculcándoles no solo la técnica, sino también una profunda comprensión de la música. Entre sus alumnos más célebres se encuentra Daniil Trifonov, quien ha citado a Babayan como una de las mayores influencias en su desarrollo artístico.
Sus compromisos y giras le han llevado a lugares de conciertos internacionales preeminentes, donde actúa regularmente, como el Concertgebouw de Ámsterdam, el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena, la Filarmónica de Varsovia, el Severance Hall en Cleveland, el Teatro Mariinsky en St.Petersburgo, Konzerthaus en Berlín, el Prinzregententheater y Herkulessaal de Múnich, Liederhalle en Stuttgart, el Teatro Colón de Buenos Aires, la Maison de la Radio y la Salle Gaveau de París, la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Alte Oper de Fráncfort y la Tonhalle de Zúrich, Victora Hall en Ginebra, Beethovenhalle en Bonn, Meistersingerhalle en Nurnberg, Philharmonie Hall en Essen, Brahms-Saal en Karlsruhe, Rudolfinum-Dvorak Hall en Praga: las salas más prestigiosas del mundo.
A lo largo de los años, Babayan ha actuado con Valery Gergiev en numerosas ocasiones con gran éxito de crítica, incluyendo apariciones en el Barbican Centre con la Orquesta Sinfónica de Londres, en Théâtre des Champs-Elyseés de París, en el Festival de Salzburgo y en el Festival Filarmónico-Gergiev de Rotterdam, donde Babayan fue artista residente.
En la primavera de 2016, la grabación del Concierto Nº 5 de Prokofiev Piano de Babayan, con la Orquesta Mariinsky dirigida por Valery Gergiev, fue publicada por el sello Mariinsky con gran éxito.
Fotografía: Marco Borggreve
Destacan sus conciertos con la Filarmónica de Rotterdam dirigida por Valery Gergiev y con la Camerata Israel en Tel Aviv; actuaciones en el «Progetto Martha Argerich» en Lugano (Suiza); en el Festival de Edimburgo (Escocia) y en Bad Kissengen (Alemania); recitales y conciertos en dúo con Daniil Trifonov en el Teatro Mariinsky de St. Petersburgo; un regreso al Wigmore Hall de Londres; recitales y actuaciones de música de cámara en Los Ángeles; Atlanta; East Lansing, Michigan; y Columbia, Carolina del Sur, entre otros.
Ha participado en importantes festivales como La Roque d’Anthéron, Piano aux Jacobins de Toulouse, Festival Menuhin de Gstaad y Festival de Verbier. En la Konzerthaus de Dortmund, Sergei Babayan fue Artista Comisario.
Babayan es artista exclusivo de Deutsche Grammophon; su último lanzamiento, ‘Rachmaninoff’ (DG 2020), fue aclamado por la prensa internacional como una grabación innovadora y recibió numerosos premios, entre ellos BBC Recording of the Month y CHOC Classica (‘Este viaje musical, nacido de una imaginación sin límites y pensado hasta el más mínimo detalle, es una gran obra maestra’).
Su anterior lanzamiento en DG de sus propias transcripciones para dos pianos de obras de Prokofiev, con Martha Argerich como su pareja (‘Prokofiev for Two’; DG 2018), fue elogiado por los críticos como ‘el CD que uno ha esperado’ (Le Devoir), un ‘dúo electrizante que deja al oyente consternado’ (Pianiste).
La discografía de Babayan es un reflejo de su profundo compromiso con la música. Sus grabaciones han sido elogiadas por su capacidad para capturar la esencia emocional de las obras que interpreta, ofreciendo al oyente una experiencia auditiva rica y llena de matices. Sus interpretaciones de obras de compositores como Bach, Rachmaninoff y Prokofiev son especialmente destacadas, y muestran su habilidad para equilibrar la precisión técnica con una expresión emocional profunda.
La capacidad de Babayan para «hacer cantar al piano» es resultado de una práctica meticulosa y una profunda comprensión de la música. Para este excepcional intérprete toda gran música instrumental: para piano solo, para música de cámara o para una sinfonía, debe aspirar a emular las cualidades de la voz humana. Esto es particularmente evidente en su interpretación de las transcripciones de canciones de Schubert realizadas por Franz Liszt. Obras como Gretchen am Spinnrade o Die Stadt son transformadas por Babayan en auténticos dramas musicales donde cada nota parece tener vida propia.
SONGS ofrece una oportunidad única para reflexionar sobre cómo la canción popular y la canción artística han evolucionado a lo largo del tiempo, tanto en su forma original como en transcripciones para piano. Babayan explora cómo el piano, un instrumento intrínsecamente percusivo, puede emular la coloratura, el fraseo y la dinámica de la voz humana, un logro que pocos intérpretes pueden reclamar. Este enfoque le permite explorar las posibilidades musicales del piano en su totalidad, en lugar de limitarse a ofrecer una serie de melodías pegadizas.
Las transcripciones de Liszt son una pieza clave en este programa: no solo preservan el carácter original de las canciones de Schubert, sino que las enriquecen con nuevas dimensiones técnicas y emocionales. Por ejemplo, en la interpretación de Erlkönig, Babayan logra transmitir la intensidad dramática del poema de Goethe a través del piano, permitiendo al oyente casi escuchar las palabras que Schubert musicalizó.
Además de las obras de Schubert, Babayan incluye en SONGS piezas melódicas de compositores como Frederic Mompou, Jesús Guridi y Komitas, expandiendo el alcance del programa más allá de la tradición centroeuropea. Estas obras revelan un mundo de melodías que trascienden las fronteras culturales, introduciendo al oyente en un universo sonoro rico y diverso. En este evento único, se escuchará en la Sala Sinfónica por vez primera la música del compositor armenio Komitas, cuyas obras han sido transcritas para piano por Babayan.
Nacido en Armenia en el seno de una familia de músicos, Babayan comenzó sus estudios con Georgy Saradjev. Su talento, innato y excepcional para la música, le movió a recibir una rigurosa formación en el prestigioso Conservatorio de Moscú, bajo la tutela de maestros reconocidos como Mikhail Pletnev, Vera Gornostayeva y Lev Naumov.
Su extraordinaria habilidad como intérprete le hizo merecedor de importantes galardones, capturando rápidamente la atención del mundo musical. Tras su primer viaje fuera de la URSS en 1989, ganó consecutivamente primeros premios en varios concursos internacionales importantes, como el Concurso Internacional de Piano de Cleveland, el Concurso de Piano de Hamamatsu y el Concurso Internacional de Piano de Escocia.
Ciudadano estadounidense, vive en Nueva York.
Programa
I Parte
1.- Franz Schubert (1811-1886)
Der Müller und der Bach S.565 No.2
Aunfenthalt S.560 No.3
Auf dem Wasser zu singen S.558 No.2
Die Stadt S.558 No.11
Gretchen am Spinnrade S.558 No.8
Ständchen von Shakespeare S.558 No.8
Erlköning S.558 No.4 (transcr. Franz Listz)
2.- Robert Schumann (1810-1856)
Liebeslied (Windmung) S.566
(transc. Franz Listz)
3.- Franz Listz (1811-1886)
Hymne de la nuit S.173/1
“Romance” in E Minor S.169
“O pourquoi donc”
4.- Manuel María Ponce (1882-1948)
Intermezzo No.1
5.- Sergei Rachmaninoff (1873-1943)
“Where beauty dwells”
from Twelve Songs, Op.21 No.7
(transcr. Arcadi Volodos)
6.- Fritz Kreiser (1875-1962)
“Liebesleid»
(transc. Sergei Rachmaninoff)
Duración 47:50
Pausa
II Parte
7.- Federico Mompou (1893-1987)
Canción No.6
Canción No.8
Canción No.7
de “Canciones y danzas”
8.- Komitas (1869-1935)
Chinar Es
(transcr. Villy Sargsyan)
9.- Jean Sibelius (1865-1957)
V Kuusi “The Spruce”
from Five pieces for piano, Op.75
10.- Harold Arlen (1905-1986)
“Over the Rainbow”
(transcr. Keith Jarrett)
11.- Leonid Desyatnikov (1955)
“Red arrowwood, green leaves”
from songs of Bukovina No.18
12.- Jesús Guridi (1886-1961)
“La carrasquilla”
de Danzas Viejas
13.- Paul Hindemith (1895-1963)
“Einleitung und Lied”
from Klaviermusik, Op.37 Pt.2
“Reihe Kleiner Stücke”
14.- Komitas (1869-1935)
Berceuse
(transcr. Georgy Saradjian)
1. Semplice from Seven Songs
15.- George Bizet (1838-1875)
Chants du Rhin: I. Láurore
16.- Stephen Reynolds (1947)
“Chanson dáutomne”
from Two Poems in Homage to Fauré
17.- Francis Poulenc (1899-1963)
Improvitation No.15 in C Minor
Hommage à Edith Piaf” FP 176
18.- Gabriel Fauré (1845-1924)
“Au bord de l´eau”, Op.8 No.1
(transcr. Sergei Babayan)
19.- Francis Poulenc (1899-1963)
“Les chemis de l´amour”
20.- Charles Trenet (1913-2001)
“En avril à Paris”
(transcr. Alexis Weissenberg)
21.- George Gershwin (1898-1937)
“Oh lady, be good”
(transcr. Maurice Whitney)
22.- Johann Strauss II (1825-1899)
Arabesken über
“An der schönen balauen Donau”
(transcr. Adolf Schulz-Evler)
Duración 51:50
Sobre el programa «Songs» de Sergei Babayan
“¿Cómo escribir una buena melodía?”, se pregunta Sergei Babayan, «es algo que no se puede aprender. Es un don que se tiene o no se tiene. En todos los estudios sobre el arte de la composición, la melodía sigue siendo el último misterio».
El último programa de recitales en solitario de Babayan, titulado SONGS, rinde homenaje al don de crear algunas de las melodías más bellas de la historia de la canción artística. El viaje que Babayan propone al oyente, va desde Franz Schubert a Charles Trenet; ofrece una oportunidad única para reflexionar sobre los ingredientes de una gran melodía, y la forma en que la canción popular moderna y la canción artística han evolucionado a lo largo del tiempo, tanto en su forma original, con letra cantada, como en forma de transcripción para un instrumento: una canción sin letra.
Para comprender la fuerza casi obsesiva que impulsa el proceso creativo de Sergei Babayan como pianista, es importante subrayar desde el principio que su, a menudo, aclamada capacidad de «hacer cantar al piano», es el resultado de dos elementos que son clave: de un lado, una práctica meticulosa, precisa, rigurosa, y, de otro, la profunda convicción de que toda gran música instrumental, ya sea para piano solo, conjunto de música de cámara u orquesta sinfónica, tiene como objetivo último emular los colores, el fraseo y la dinámica de la voz humana.
Por ello, un programa completo de canciones sin letra ofrece una exploración en profundidad de las posibilidades musicales del piano en sí mismo, en lugar de proponer una simple abundancia de «hits» melódicos, una sobredosis de canciones para los oídos, o, incluso, una bienintencionada “labor de amor” por las canciones, que corre el riesgo de sufrir una hiperglucemia musical.
Fotografía: Kaupo Kikkas
Las canciones de Franz Schubert aparecen como el punto de partida natural de este viaje exploratorio por la música occidental. Modulaciones muy sutiles, cambios de tonalidad de mayor a menor y una presentación extremadamente densa del material melódico sobre una línea de acompañamiento sutilmente divergente son características de muchas canciones de Schubert.
Las transcripciones de Liszt de estas canciones son exhibiciones fascinantes del generoso activismo de Liszt por la causa de otros compositores, como es en el caso de la apertura de Gretchen am Spinnrade o Die Stadt, al poner en primer plano la riqueza atmosférica asignada por la canción original de Schubert a la parte del acompañante: con los giros incesantes de la rueca en la primera y la imagen inquietante y brumosa de la ciudad en el horizonte que se oscurece, más allá de las aguas grises, en la segunda.
En el mismo sentido, Erlkönig es una obra maestra pianística (y un desafío), incluso en la versión original de Schubert para voz. En la impresionante transcripción de Liszt, se convierte en el modelo para una transcripción que se mantiene fiel a la canción, todo ello añadiendo dificultades instrumentales sustanciales, pero dando al oyente la ilusión de escuchar desde el piano cada una de las palabras del drama original de la balada de Goethe, puesto en música por Schubert.
En cambio, el arreglo de Liszt del Aufenthalt de Schubert y la Ständchen: ¡Horch! Horch!, o la virtuosísima parte central de su transcripción de Gretchen am Spinnrade, tienen más de transformación, basada libremente en el material melódico original, dando lugar a una obra pianística por derecho propio, y que pone a prueba los límites del potencial sonoro del instrumento.
La escalada orgiástica de Liszt de la breve, pero eufórica, melodía de Widmung de Schumann, lleva este principio de libertad pianística a otro nivel, y Babayan lo utiliza como introducción a una serie de piezas melódicas para piano de Liszt, Ponce y Rachmaninoff, que proporcionan una serie de herramientas transformadoras, incluyendo una elegante línea melódica sobre acordes rotos, efectos de sobretono, transposiciones a mitad de canción por octavas y ejecuciones paralelas.
Fotografía: Universal Music
Estos ejemplos culminan en un vals aparentemente sencillo de Fritz Kreisler, presentado en un arreglo asombroso del propio Rachmaninoff, que utilizó la cojera, ligeramente asincrónica de su instrumento, para rendir un homenaje humorístico al, por otra parte, inimitable violinista vienés.
Recurriendo a las obras melódicas del catalán Frederic Mompou, el vasco Jesús Guridi, el armenio Komitas y el finlandés Sibelius, Sergei Babayan despliega ante el oyente un mundo de canciones que trasciende el territorio tonal de la canción artística centroeuropea.
Del mismo modo, Leonid Desyatnikov, nacido en 1955 en Kharkiv, aporta una canción de Bucovina, en una transcripción que es una compleja composición pianística basada en la más antigua y aparentemente sencilla tradición de la canción popular.
Komitas, que se convirtió en el primer miembro no europeo de la Sociedad Musical Internacional de Berlín, se ganó el epíteto de compositor «nacional» de Armenia, con su doble faceta de sacerdote arraigado en el canto polifónico eclesiástico armenio y su labor como primer musicólogo de esta antigua nación, que recopiló miles de canciones folclóricas e hizo accesibles muchas de ellas para transcribirlas por primera vez para instrumentos occidentales. Es la atmósfera tonal, desconocida para el oído occidental, la que ayuda a centrarse en las cualidades internas de la melodía en la música de Komitas, cuya obra fue de evidente influencia para Sergei Babayan como pianista nacido y criado en Armenia.
La calidad de la presentación pianística de una melodía no está relacionada con su «cantabilidad»: el carácter de música pegadiza de una frase musical que se instala en nuestra memoria, también resulta de las obras melódicas (tonales o a-tonales) de compositores como Schoenberg.
El pequeño Lied de Hindemith es otro ejemplo que parece casi abstracto, en sus giros renqueantes y altibajos melódicos. Desde este nivel de abstracción, una línea directa lleva al oyente al principio de «tensión y liberación» que guía la disposición de las melodías en el jazz, tocando fuera y dentro de las notas «correctas»: como ejemplo, Keith Jarrett, formado en composición e interpretación clásicas, creó transcripciones para piano que se sitúan a la altura de Liszt y Rachmaninoff, al tiempo que trabajaba con material aparentemente más ligero de canciones populares y música de cine.
En el siglo XX, la improvisación para piano Hommage à Edith Piaf de Poulenc constituye una aproximación solitaria al «trabajo de amor» por la canción. El material no se basa en una canción concreta de la legendaria «gorrión de París», sino en la atmósfera melancólica de muchas de sus canciones, su voz característica y su extraordinaria vida.
La idea del «trabajo de amor» por una obra se pone de relieve, en última instancia, en obras maestras pianísticas de las mayores cualidades virtuosas, como en el arreglo de Alexis Weissenberg de la inmortal canción de Charles Trenet En avril à Paris. Otro ejemplo es el trabajo de devoción por una melodía como el que hace el delicado pianista y compositor polaco Adolf Schulze-Evler, con sus sutilmente «apagados» y brillantes arabescos en «An der schönen blauen Donau», con sus notas «erróneas», que recuerdan tanto al jazz como a las entradas ligeramente «impuras» del vals vienés, y que fueron interpretados por leyendas pianísticas de la vieja época como Josef Lhévinne y Jan Smeterlin.
Añado una nota a pie de página que va más allá del programa de este recital: ¿Sorprendería al oyente que el programa SONGS, propuesto por Sergei Babayan, fuera, como prácticamente todos sus programas, un discreto homenaje a los más grandes compositores de todos los tiempos? Y, por muy ajeno que parezca al mundo de la canción, ¿sorprendería que fuera un homenaje al mayor creador de melodías de todos los tiempos, como fue Johann Sebastian Bach?
© Dr Marcus Felsner, 2024
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